Konzertvorschau

Das Programm thematisiert das Verhältnis des Menschen zu seiner Umwelt, und zwar aus zweifachem Blickwinkel: Das Werk von Michael Flade reflektiert die heutige Situation im 21. Jahrhundert. Heinz Holligers 40 Jahre alter Scardanelli-Zyklus dagegen aktualisiert die romantische Sicht des Menschen auf die Natur. Darin geht es um sehr unterschiedliche Einsichten, zu denen ein Ausdruck von Gebrochenheit ebenso gehört wie das in der europäischen Kulturgeschichte tief verankerte Vanitas-Gefühl des Menschen im Blick auf die Unendlichkeit der Natur.

Programm:

Michael Flade (*1975): Atom im Universum Deiner Schöpfung (UA) – für Sopransolo und Vokalensemble

Heinz Holliger (*1939): DIE JAHRESZEITEN (aus dem Scardanelli-Zyklus, 1978) – für Vokalensemble

Technik in seiner ursprünglichen Bedeutung bezeichnet eher eine Art Kunstfertigkeit oder Handwerk als etwas außerhalb des menschlichen Körpers liegendes. In diesem Zusammenhang erscheint das Wort bis in die Renaissance als Sammelbegriff der artes mechanicae. Erst spät verschiebt sich seine Bedeutung zunehmend in Richtung einer Gesamtheit der menschengemachten Gegenstände wie Maschinen, Geräte, Apparate usw. Beide Lesarten sollen in diesem Konzert berücksichtigt werden und sich gegenseitig durchdringen. Déserts von Edgar Varese entstand zunächst als Soundtrack zu einem Film und enthält Tonbandeinspielungen, die auf Fabrikgeräuschen und Schlaginstrumenten basieren. Das Zuspielband der Uraufführung entstand im Pariser Studio von Pierre Schaeffer jener legendären Geburtsstätte der musique concrète die als Wegweiser für den Umgang mit technischen Medien innerhalb der Musik gilt. In diesem Pariser Umfeld komponierte Michaël Levinas – mit vergleichbaren, aber z.T. deutlich divergierenden Ideen – Appells für 11 Instrumente. Ein Jahr zuvor hatte Levinas zusammen mit drei weiteren Komponisten die Gruppe l’itinéraire gegründet, die mit ihren Arbeiten neue Dimensionen der Klangforschung entwickelte – auch das eine wichtige Facette des Themas. Hier treffen wir wieder auf den Begriff der Technik in seiner ursprünglichen Bedeutung, als handwerkliches Geschick, welches ohne die exakte Kenntnis der Akustik und den Einsatz moderner technischer Geräte nicht denkbar wäre. In den beiden Kompositionen von Franz Martin Olbrisch vereinen sich nun die spektrale Kompositionstechnik mit all ihrem Wissen um das Innenleben der Klänge mit der modernen Technik live-elektronischer Mittel.

Programm:
Franz Martin Olbrisch (*1952): rewrite 114 (2017) – für Fl, Ob, Kl, Fg, Hrn, Tr, Pos, 2 Perk, E-Git, Pn, 2 Vl, Va, Vcl, Kb & Live-Elektr

…suggests that something may be (UA)

Edgar Varèse (1883 – 1965): Deserts (1954) – für 14 Bläser

Michaël Levinas (*1949): Appels (1974) – für 11 Instrumente

Sol-I So: Neues Werk (UA)

Leitung: Bruno Ferrandis

Schülermatinee: 10 Uhr

Komponistengespräch und Einführung: 18:45 Uhr

Die fünf zwischen 1975 und 1983 geborenen Komponisten dieses Konzerts gehören einer Generation an, bei denen ein selbstverständlicher und alltäglicher Umgang mit vielen technischen Errungenschaften Spuren im kompositorischen Denken hinterlässt. Im Fall von Martin Grütter zeigt sich dies am katalogartig-unverbundenen Exponieren von Spieltechniken, geschult an der „Alles ist jederzeit verfügbar“-Mentalität des Internetzeitalters. Cathy van Eck und Nicolas Tzortzsis beschäftigen sich in ihren Arbeiten mit unterschiedlichen Aspekten der Interaktion zwischen Instrumenten und deren Spielern, welche durch den Einsatz von Live-Elektronik möglich werden, wobei van Eck sich eher für die klanglichen und Tzortzsis mehr für die strukturellen Aspekte dieser Erweiterung der instrumentalen Möglichkeiten interessiert. Yoav Pasovsky vereint in seiner Arbeit mit Schallwandlern beide Aspekte in neuartiger Weise. Martin Jaggi schließlich begibt sich bei der Auseinandersetzung mit den technischen Begleiterscheinungen moderner Zivilisation auf eine metaphorische Ebene, die bei ihm mit ironischer Distanz einhergeht. Fünf Kompositionen aus dem 21. Jahrhundert, bei denen die Grenzen zwischen Spiel und Ernst auf jeweils unterschiedliche Weise verschwimmen.

Programm:

Martin Jaggi (*1978): SPAM (2006) – für Fl/Bfl, Kl/Bkl, Pn, Perc, Vl Vcl

Cathy van Eck (*1975): Ein Oktett für das Quartett (2013) – für 8 Lautsprecher und 4 Performer

Martin Grütter (*1983): 55 Singularitäten (2016) – für drei beliebige Instrumente

Yoav Pasovsky (*1980): Mimshak (2012) – für Fl, Kl, Vl, Vcl, Hrf, Pn, Perc, Live-Elektronik

Nicolas Tzortzis (*1978): Neues Werk (UA) – für Ensemble

Der Golem (hebräisch: Klumpen, formlose Masse) deutet auf eine seit dem Mittelalter bekannte Figur jüdischer Legenden. Er ist ein künstlich erschaffenes Wesen aus Lehm oder Ton, welches besondere Kräfte besitzt, von meist gewaltiger Größe und der Sprache in der Regel nicht mächtig ist. Er gilt als Wiederholung des göttlichen Schöpfungsaktes, vollzogen von Rabbi Löw, welcher den Homunkulus erschafft und zum Leben erweckt. Zahlreiche Autoren, Filmemacher, Künstler beschäftigten sich mit dieser Figur – und auch heute noch inspiriert der Homunkulus vor allem die moderne Science-Fiction-Welt, die Golems von heute sind vielleicht Roboter, Computer oder Klone, Cyborgs, Androiden und ähnliches. Immer geht es um den künstlichen Menschen als nicht beherrschbares Produkt von Wissenschaft und Technik.
„Der Golem, wie er in die Welt kam“ (Paul Wegener 1920), von dem dieses Programm ausgeht, ist ein expressionistisches Meisterwerk der Filmgeschichte – und ein markantes Beispiel für eine kritische Technik-Reflexion aus der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. In diesem Improvisationskonzert wird es darum gehen, eine aktuelle Sprache zu entwickeln, die darauf zielt, dass dieser 100 Jahre alte Film nicht bloß als etwas „Museales“, sondern in seiner eminenten Dringlichkeit erlebt werden kann. Zu erweisen sein wird, dass der Film bestens geeignet ist für ein Wechselspiel mit zeitgenössischer Musik.

Programm:

Film: Der Golem (Paul Wegener 1920)

Improvisationen von Peter Krug (Kb), Ray Kaczinski (Perc), Günter Heinz (Pos, Fl)

Die Allgegenwart technischer Geräte erscheint als das Charakteristikum unserer Zeit. Dabei übersehen wir, dass technische Mittel und Verfahrensweisen schon lange vor dem digitalen Zeitalter als jeweils prägend für ihre Epoche empfunden wurden und erhebliche Auswirkungen auf die Lebenswirklichkeit hatten. Die Reflexion von Technik in der Musik allerdings ist ein relativ junges Thema – lange Zeit war es vor allem eine nahezu romantisch zu nennende Faszination oder der relativ unkritisch begeisterte Einsatz elektronischer Möglichkeiten. Die Werke dieses Programms setzen sich in ambivalenter und zum Teil durchaus kritischer Weise mit Technik generell und mit ihrer Verwendung in der Musik speziell auseinander.

Programm:

Neo H: Neues Werk (UA, Auftragswerk)

Michael Maierhof (*1956): specific objects (2012) – für 6 Spieler mit Motoren auf readymades

Fausto Romitelli (1963 – 2004): Trash TV Trance (2002)

Technik heißt für Musiker immer auch: Spieltechnik. Damit verbindet man zunächst einen Kanon an bis Ende des 19. Jahrhunderts entwickelten Techniken, die das, was immer noch als der Normalklang der Instrumente verstanden wird, optimal zur Geltung bringen. Gemeinhin wird das, was darüber hinausgeht, als „erweiterte Spieltechniken“ bezeichnet, obwohl sich immer mehr davon etabliert und mittlerweile die gleiche Berechtigung hat. In den Vordergrund tritt Spieltechnik trotzdem immer dann, wenn versucht wird, den Instrumenten Klänge abzugewinnen, die es bisher so noch nicht zu hören gab. Daher ist Michael Maierhof in diesem Programm gleich zweimal vertreten – wobei es ihm nicht darum geht, einfach immer wieder etwas Neues zu finden und das quasi als einen Katalog der Möglichkeiten aneinanderzureihen. Im Gegenteil: Jedes Stück limitiert sich auf einen eigenen Bereich an Klängen, die sorgfältig gegeneinander abgewogen und in Beziehung gesetzt werden. Mit Michael Flades Stück Spiel: seltsam attraktiv kommt Technik im ganz greifbaren Sinn zum Einsatz. Das Stück wechselt zwischen live gespielten Klängen, ihrer Aufzeichnung und Verarbeitung im Computer und deren Wiedergabe durch Lautsprecher, teils gemeinsam mit den Instrumentalisten, teils auch solistisch und als Klanginstallation. Zudem soll für diesen Abend noch ein Kompositionsauftrag für ein Stück mit Live-Elektronik an Arman Gushchyan (Moskau) vergeben werden, getragen von einer ausdrücklichen Reflexion des bei diesem Konzert gewählten Teilthemas.

Programm:

Michael Maierhof (1956): Sugar 1

Exit E (2011)

Michael Flade (*1975): Spiel: seltsam attraktiv (2008)

Arman Gushchyan (*1981): Neues Stück (2020, UA)

Technik ist nie nur Mittel zum Zweck, Technik hat – in Anlehnung an die berühmte Formulierung Marshall McLuhans – auch eine Botschaft, bringt ein spezifisches Welt- und Selbstverständnis zum Ausdruck. Diese Leitidee bestimmt die Konzeption des Konzertes. Sie zeigt sich in besonderer Form im Werk Michael Edward Edgertons, dessen hochkomplexe und artistische Gesangstechniken nicht nur höchst beeindruckend sind, sondern darüber hinaus aufscheinen lassen, welche künstlerische und menschliche Bedeutung das Überschreiten einmal etablierter Standards in Richtung des Offenen und Zukünftigen hat. Die Nutzung des Potentials elektronischer Möglichkeiten in Brigitta Muntendorfs neuem Werk hingegen erfolgt vor dem Hintergrund einer künstlerischen Auseinandersetzung mit unserer heutigen, hochtechnologisierten Welt und ist ein Zeichen einer Hinwendung zum Hier und Jetzt. Tobias Eduard Schick reflektiert in seinem neuen Werk Inkonsequenza VI für virtuelles Ensemble den Zusammenhang von Technik und Inhalt. Durch die Rahmenverschiebung eines Vokalensembles, das eine instrumentale Formation stimmlich nachahmt, wird aufgezeigt, welche Hörgewohnheiten durch die Bindung an verschiedene Techniken entstehen. Die Gegenüberstellung zweier technischer Sphären prägt auch das Werk von Torsten Reitz, in dem die sängerische Interpretation eines Gedichts von Marcel Beyer auf dessen Rezitation durch Computerstimmen trifft. Von dort aus wird ein Bogen geschlagen zu Enno Poppes Solowerk Wespe nach dem gleichnamigen Gedicht desselben Autors. „Technik, die begeistert“ – da die hochartistischen und ausgefallenen Techniken der zeitgenössischen Vokalmusik auch über Insiderkreise hinaus faszinieren, werden im Rahmen eines Gesprächskonzert verschiedene Techniken aus den einzelnen Werken präsentiert, erklärt und diskutiert, um so mit dem Publikum ins Gespräch zu kommen und einen Austausch zu initiieren.

Programm:

Michael Edward Edgerton (*1961): Anaphora – für Sopran

Christoph Ogiermann (*1967): inner empire I (2011) – für sechs Stimmen und Elektronik

Enno Poppe (*1969): Wespe (2005) – für Stimme solo

Brigitta Muntendorf (*1982): Neues Werk (UA, Auftragswerk) – für sechs Stimmen

Torsten Reitz (*1985): Buchstaben (2019) – für Sopran und Zuspiel

Tobias Eduard Schick (*1985): Inkonsequenza VI (UA für sechs Stimmen, Auftragswerk) – für virtuelles Ensemble